Detalles: Publicado: 27 Julio 2016

Visión antropológica de la danza. La danza en el mundo clásico. La danza en la Edad Media.
La danza en el Renacimiento. Los primeros maestros. Génesis del Ballet de cour. Tratados de danza.
La danza barroca. La escritura de la danza. El paso definitivo hacia el profesionalismo: la codificación de los principios fundamentales de la danza clásica. La danza en el Siglo de Oro español.
El nacimiento de la danza contemporánea. La primera generación y sus creadores: los pioneros americanos (Isadora Duncan, Loïe Fuller, Ruth St. Denis y Ted Shawn); los pioneros europeos (François Delsarte, Emile J. Dalcroze, Rudolf Laban y Mary Wigman –expresionismo alemán–). Los aspectos innovadores de sus planteamientos y la expansión de sus conceptos. Las diferentes técnicas, teorías o estudios.
La evolución y desarrollo de la danza contemporánea. La segunda generación: los fundadores de la «Modern Dance» en USA, creadores de técnicas y escuelas americanas (Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman y sus discípulos, José Limón, Lester Horton y otros); los creadores de técnicas y escuelas europeas (Gret Palucca, Kurt Joos y otros). Bases conceptuales que definen sus técnicas o sus tendencias creativas.
La evolución y expansión de la danza contemporánea. La tercera generación en USA (el posmodernismo, sus precursores –Merce Cunningham, Alwin Nikolais– y sus discípulos –Trisha Brown, Steve Paxton e Yvonne Rainer–); en Europa (la Danza-Teatro de Pina Bausch); en Japón (la danza butoh –Tatsumi Hijikata y Kazuo Ohno–). Aspectos creativos aportados por la tercera generación a la didáctica de la danza y a la coreografía.
La influencia de la cultura negro-americana y el jazz en los coreógrafos contemporáneos en América y en Europa. La influencia y planteamientos de las artes marciales (capoeira, aikido, tai chi chuan y otros), en la riqueza de estilos y tendencias para una nueva expresión corporal. Elementos de ruptura de los esquemas clásicos y neoclásicos. Aspectos creativos y técnicos aportados a la didáctica de la danza y a la coreografía.
La danza contemporánea en España: nacimiento, evolución y desarrollo. Los pioneros: Tórtola Valencia, Josefina Cirrera, Joan Tena, Pilar Sierra y otros. La primera generación: los años 70, Anna Maleras (Barcelona) y Carmen Senra (Madrid). Las diferentes influencias, estilos y compañías.
La danza contemporánea en España: consolidación, evolución hasta finales de siglo XX. La segunda generación: finales de los años 80 y década de los 90. Los principales creadores nacionales y sus compañías (Bocanada, 10&10 Danza, Provisional Danza, Metros, Mudances, Gelabert/Azzopardi, Ananda Danza, Vicente Sáez y otros). Los certámenes coreográficos.
La danza en España como patrimonio histórico-artístico cultural. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y futuras generaciones. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes.
Fundamentos básicos de la educación corporal. Colocación general del cuerpo: equilibrio, sensaciones, resistencias. Primeras sensaciones, evolución en las diferentes etapas del aprendizaje. Posibles consecuencias patológicas, técnicas y artísticas derivadas de una colocación errónea.
La función muscular: Escalas o grados tónicos. Antagonismo muscular: su importancia en la educación del movimiento, en la expresividad, la salud y calidad de vida. Consideraciones a tener presentes en la clase de danza.
Capacidades físicas básicas: Fuerza, resistencia, flexibilidad, velocidad y coordinación. Diseño de tareas para su desarrollo.
La enseñanza y el aprendizaje de las técnicas de danza contemporánea (Técnicas de estilo) basados en la recepción, la reproducción de modelos y patrones fijados: objetivos, contenidos, metodología y niveles de dificultad. Papel del profesor y del alumno en este enfoque de la enseñanza y el aprendizaje.
La enseñanza y el aprendizaje de las técnicas de danza contemporánea (técnicas creativas) basados en el descubrimiento, la improvisación, la resolución de problemas y el descubrimiento guiado: objetivos, contenidos, metodología y niveles de dificultad. Papel del profesor y del alumno en este enfoque de la enseñanza y el aprendizaje.
El calentamiento: Fundamentos y tipos. Funciones: calentamiento y rendimiento, calentamiento y prevención de lesiones, calentamiento y aprendizaje. Criterios para la elaboración de tareas de calentamiento general y específico. Lesiones más frecuentes relacionadas con el cuerpo del bailarín: primeros auxilios.
La respiración y la relajación: Bases psicofisiológicas. Mecánica de la respiración: fases y tipos. Influencia de los ritmos respiratorios en la actividad física. Los fundamentos de la relajación: aplicaciones educativas de la relajación, la senso-percepción, la concentración y la meditación.
La contracción, la torsión, la espiral, el movimiento redondo y la lateralidad: El estudio de las primeras sensaciones corporales, la flexibilidad y movilización de la columna vertebral, la importancia del peso, el uso dinámico del espacio y la evolución de estos conceptos en las diferentes etapas del aprendizaje. El desbloqueo articular y su importancia en la expresividad.
El estudio del paralelo: Su configuración anatómica y su práctica aplicada a la danza contemporánea. Diferentes formas físicas de las piernas y sus patologías: Características y correcciones en el estudio de la danza contemporánea. Soluciones a las dificultades que puedan presentar los alumnos en sus estructuras físicas, para una correcta colocación, alineación, tonificación y flexibilización de las piernas (huesos, músculos, articulaciones y soportes interiores).
Estudio de la gravedad: El peso como motor fundamental en las técnicas de danza contemporánea. Desarrollo y metodología en las diferentes etapas del aprendizaje. El trabajo de peso en los ejercicios técnicos, su desarrollo y evolución en relación con el cuerpo y el suelo (centro de gravedad, ejes horizontal y vertical, suspensión, caída, recuperación y otros aspectos).
El trabajo de suelo: Desarrollo y metodología en las diferentes etapas del aprendizaje. La evolución y el desarrollo del trabajo de suelo, respiración, peso, contacto, puntos de apoyo, sensaciones musculares y articulaciones, niveles, direcciones, los desplazamientos y sus cambios; entradas al eje vertical y salidas del eje vertical.
El estudio del giro: Técnicas del giro en la danza contemporánea, desarrollo y metodología en las diferentes etapas del aprendizaje. El desarrollo del giro en sus diferentes posibilidades relativas al eje corporal, a los niveles y a los planos espaciales. La eficacia de la pierna de base y las posibilidades de formas y movimiento de la pierna libre.
El estudio del salto: Técnicas del salto en la danza contemporánea, desarrollo y metodología en las diferentes etapas del aprendizaje. Organización del mecanismo funcional. Clases de salto, acentuación y calidades de salto evolucionado al suelo. Los aspectos innovadores, sus planteamientos y conceptos. Las influencias de las diferentes técnicas, acrobacia, capoeira, flying low y otros.
El estudio de la improvisación: Desarrollo y metodología en las diferentes etapas del aprendizaje. La importancia de la improvisación para las creaciones coreográficas en la actualidad. La importancia de la espontaneidad y de la originalidad del alumno. La innovación en las maneras de ser, sentir y estar en el cuerpo. Los nuevos recursos de organización y las nuevas respuestas.
El estudio de la composición: Desarrollo y metodología en las diferentes etapas del aprendizaje. La composición fijada, la composición a tiempo real y su importancia para las prácticas escénicas. El desarrollo de la improvisación hacia la composición coreográfica, a través de estructuras fijadas. La capacidad del alumno para organizarse, tomar decisiones y resolver problemas. Elementos y accesorios en la composición.
El estudio del Contact-Improvisation: Desarrollo y metodología en las diferentes etapas del aprendizaje. La escucha, los impulsos, el peso, los apoyos y sus cambios, la quietud, la interacción con la gravedad. La utilización práctica del peso en la pareja, la preparación de cargas, el intercambio de energía constante, el contacto consciente, la base de los toques, las caídas, las rodadas, el choque y otros. Contrapesos y tensiones complementarias del equilibrio inestable.
Las técnicas corporales: Yoga, Pilates, Feldenkrais, Alexander, Tai Chi Chuan, Eutonía y otros. Desarrollo y metodologías como apoyo a las técnicas de danza contemporánea. Criterios esenciales de las diferentes técnicas: intención-atención- precisión-consciencia. Posibles soluciones a las necesidades del alumno para su bienestar físico y mental.
La aportación del acompañamiento musical en la enseñanza de la danza contemporánea: aspectos rítmicos, melódicos, procesos cadenciales, acentos, tempo y otros aspectos. Incidencia del desarrollo técnico del bailarín en su perfeccionamiento artístico. Correlación entre música y danza: objetivos, adaptación.
El estímulo de la imaginación a través de las evocaciones sonoras y la ausencia de sonido: Las sensaciones del movimiento en relación con la música, la presencia emocional y el valor del silencio. Los aspectos vivenciales del pulso orgánico del movimiento. Estructuras métricas y no métricas: Nuevos sonidos, electrónica, electroacústica, sonidos ambientales y otros aspectos.
El repertorio. Metodología de su enseñanza: Responsabilidades y funciones del profesor de repertorio. Criterios para su selección en las diferentes etapas de su aprendizaje.
Aspectos fundamentales del repertorio: Histórico-estéticos, técnicos, artísticos, estilísticos, musicales y espaciales. Relación del repertorio con la historia del arte y de la danza.
Psicología evolutiva. Teoría del desarrollo cognitivo de Piaget. Desarrollo físico, cognitivo y socioemocional en las diferentes etapas del ciclo vital.
Procesos psicológicos básicos aplicados al contexto de enseñanza- aprendizaje en el aula de danza. Aprendizaje. Motivación y emoción. Percepción. Atención y memoria
El aprendizaje en el aula de danza. Gestión de expectativas. Clima del aula y el aprendizaje. Análisis de la interacción en el aula: profesor-alumno, alumno-alumno.
El desarrollo del potencial artístico: las capacidades creativas y expresivas, a través del movimiento. La conciencia del cuerpo, espacio y tiempo. La improvisación y el movimiento espontáneo como procedimiento de la educación corporal y capacitación para la danza El desarrollo del espíritu emprendedor.
Interdisciplinariedad en los estudios de danza. Interrelación entre las distintas disciplinas teórico-prácticas que conforman el currículo.
La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.
El uso de las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la enseñanza y el aprendizaje de la danza. Recursos en Internet, software, video, cine y otros. La notación coreográfica y los diferentes sistemas: Labanotación, Benesh, Eskhol- Wachman y otros.
El Video-Danza: la pantalla como espacio coreográfico, soporte de creación para la danza y lenguaje audiovisual. La danza como sujeto, objeto y metáfora. Tiempo, espacio y movimiento (en diferido, en tiempo real).

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Detalles: Publicado: 27 Julio 2016

Visión antropológica de la danza. La danza en el mundo clásico. La danza en la Edad Media.
La danza en el Renacimiento. Los primeros maestros. Génesis del Ballet de cour. Tratados de danza.
La danza barroca. La escritura de la danza. El paso definitivo hacia el profesionalismo: la codificación de los principios fundamentales de la danza clásica. La danza en el Siglo de Oro español.
La danza en la España Ilustrada (1700-1808). El sarao: danzar a la francesa/ danzar a la española. La recepción del ballet d’action en la península ibérica. El inicio de la tradición de la danza bolera. Principales fuentes históricas para el estudio de la danza en el siglo XVIII.
El desarrollo de la danza escénica española en el siglo XIX (1808-1898). La llegada de bailarines franceses. Recepción de la danza española en Europa. El teatro del circo: la convivencia de códigos coréuticos. Principales intérpretes, músicos, coreógrafos y tratadistas. La visión romántica de la danza española en los «viajes por España». La escuela bolera. Su evolución hasta la actualidad. Repertorio histórico. Principales maestros, coreógrafos e intérpretes.
El folklore: Constitución de las primeras Sociedades del Folklore. Función social. Su diversidad en la geografía española. El folklorismo.
El flamenco en el siglo XIX, aparición de un nuevo género: Orígenes, repertorio y principales intérpretes: Juana Vargas «La Macarrona», Magdalena Seda «La Malena» y Juan Sánchez Valencia «El Estampío». Evolución del flamenco: de la ópera flamenca a la actualidad. Principales intérpretes.
La danza española en la Edad de Plata (1900-1936). Primer periodo: Evolución de la danza escénica española: zarzuela, revista y género frívolo. La recepción de Les ballets russes de Diaghilev. La danza estilizada: Antonia Mercé, La Argentina, Encarnación López, La Argentinita, y Vicente Escudero. Otros intérpretes: Pastora Imperio, Laura de Santelmo y Tórtola Valencia. Génesis del ballet español: Les Ballets Espagnols de La Argentina, Ballets Espagnols de Escudero y Compañía de Bailes Españoles de La Argentinita.
La danza española. Segundo periodo, décadas de 1940, 1950 y 1960: Evolución de la danza escénica española: Pilar López, Mariemma, Antonio y Carmen Amaya. Otros intérpretes. Compañías de pequeño formato.
La danza española. Tercer periodo, décadas 70, 80 y 90: José Granero, Antonio Gades. Otros creadores e intérpretes. Creación del Ballet Nacional de España. Compañías de danza en las Comunidades Autónomas. Principales compañías privadas. Nuevas orientaciones de la danza española. Nuevas generaciones de intérpretes. Difusión internacional. Principales coreógrafos e intérpretes.
La danza en España como patrimonio histórico artístico y cultural. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y futuras generaciones. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes.
Fundamentos básicos de la educación corporal. Colocación general del cuerpo: equilibrio, sensaciones y resistencias. Evolución en las diferentes etapas del aprendizaje. Posibles consecuencias patológicas, técnicas y artísticas de una colocación errónea.
La función muscular: escalas o grados tónicos. Antagonismo muscular: su importancia en la educación del movimiento, en la expresividad, la salud y la calidad de vida. Consideraciones a tener presentes en la clase de danza.
Las capacidades físicas básicas: Fuerza, resistencia, flexibilidad, velocidad y coordinación. Diseño de tareas para su desarrollo
La enseñanza de la danza española en las enseñanzas elementales: Objetivos, competencias, contenidos, metodología, criterios de evaluación y de calificación para la iniciación en la escuela bolera. Estructura de la clase y el acompañamiento musical.
La enseñanza de la danza española en las enseñanzas elementales: Objetivos, competencias, contenidos, metodología, criterios de evaluación y de calificación para la iniciación en el folklore. Estructura de la clase y el acompañamiento musical.
La enseñanza de la danza española en las enseñanzas elementales: Objetivos, competencias, contenidos, metodología, criterios de evaluación y de calificación para la iniciación en el flamenco. Estructura de la clase y el acompañamiento musical.
El trabajo del torso en la danza española, escorzos y quiebros: Flexibilización y movilización de la columna vertebral. El braceo en las diferentes formas de la danza española.
Las castañuelas: Su estudio como instrumento musical, su desarrollo y metodología en las diferentes formas de la danza española. Las castañuelas en la danza estilizada y su tratamiento dentro de la obra musical y coreográfica. Interrelación con el zapateado. Las castañuelas en la geografía española.
La enseñanza del zapateado, desarrollo y metodología en las diferentes etapas del aprendizaje de la danza española. Su tratamiento dentro de la obra musical en la danza estilizada. Interrelación con las castañuelas.
El estudio del giro: Técnicas del giro. Las vueltas en la danza española, las vueltas de pecho y quebradas, diferencias en función del eje corporal, niveles y planos espaciales. Desarrollo y metodología en las diferentes etapas del aprendizaje.
Estudio del salto: Técnica, tipos de salto, los trenzados o batería, coordinación y estilo en la danza española. Su desarrollo y metodología en las diferentes etapas de aprendizaje de la danza española.
Estudio de la gravedad: Concepto del peso en la danza de zapato. Su importancia en la calidad del movimiento. Desarrollo y metodología en las diferentes etapas del aprendizaje.
Enseñanza de la escuela bolera en las enseñanzas profesionales. Repertorio histórico, criterios de selección. Carácter y estilo. Objetivos, competencias, contenidos, metodología, criterios de evaluación y de calificación. Estructura de la clase y el acompañamiento musical.
Enseñanza del folklore en las enseñanzas profesionales: Criterios de selección, objetivos, competencias, contenidos, metodología, criterios de evaluación y de calificación. Estructura de la clase y el acompañamiento musical.
Enseñanza de la danza estilizada en las enseñanzas profesionales. Objetivos, competencias, contenidos, metodología, criterios de evaluación y de calificación. Tratamiento de la coreografía dentro de la música española. Estructura de la clase y el acompañamiento musical.
El baile femenino y el baile masculino: afinidades y contrastes históricos y en la actualidad.
La interpretación artística, musicalidad, carácter y estilo. Capacitación del alumno para aplicar y desarrollar las técnicas aprendidas de la danza en función de las exigencias estilísticas e interpretativas de los diferentes creadores.
El repertorio en la danza española. Concepto. Metodología de su enseñanza: Responsabilidades y funciones del profesor de repertorio. Criterios para su selección en las diferentes etapas de su aprendizaje.
Aspectos fundamentales del repertorio de la danza española: histórico- estéticos, técnicos, artísticos, estilísticos, musicales y espaciales. Relación del repertorio con la historia del arte y de la danza.
Psicología evolutiva. Teoría del desarrollo cognitivo de Piaget. Desarrollo físico, cognitivo y socioemocional en las diferentes etapas del ciclo vital.
El aprendizaje en el aula de danza. Gestión de expectativas. Clima del aula y el aprendizaje. Análisis de la interacción en el aula: profesor-alumno, alumno-alumno.
Procesos psicológicos básicos aplicados al contexto de enseñanza- aprendizaje en el aula de danza. Aprendizaje. Motivación y emoción. Percepción. Atención y memoria.
El desarrollo del talento y del potencial artístico y creativo. Desarrollo de las capacidades creativas y expresivas a través del movimiento. La conciencia del cuerpo, espacio y tiempo. La improvisación y el movimiento espontáneo como procedimiento de la educación corporal y capacitación para la danza. El desarrollo del espíritu emprendedor.
Interdisciplinariedad en los estudios de danza. Interrelación entre las distintas disciplinas teórico-prácticas que conforman el currículo.
La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.
El uso de las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la enseñanza y al aprendizaje de la danza. Recursos en Internet, video, cine y otros. La notación coreográfica y los diferentes sistemas: Labanotación, Benesh, Eshkol-Wachman y otros.

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Detalles: Publicado: 27 Julio 2016

Historia general de la dulzaina: Orígenes, antecedentes de la dulzaina e instrumentos similares en todas las culturas desde la aparición de los instrumentos de doble lengüeta y su evolución. La figura del dulzainero.
La dulzaina actual: Descripción de sus características constructivas. Mantenimiento y conservación. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento. La familia de la dulzaina: características de las diferentes dulzainas en las comunidades del territorio español.
Características sonoras del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los tubos sonoros. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. El comportamiento acústico del tudel y la lengüeta. Afinación. Formas convencionales y no convencionales de producir sonido.
Técnicas de concienciación corporal: Relajación física y mental, concentración mental, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico. Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica de la dulzaina. Colocación del cuerpo y del instrumento en posición sentada y erguida.
La técnica en la dulzaina: principios fundamentales. Formación de la columna de aire y su control en la técnica general de la dulzaina. Formación de la embocadura. Emisión del sonido: utilización de los músculos faciales, de la lengua, de los labios y de otros elementos. La articulación.
Descripción y estudio comparado de los sistemas metodológicos más importantes de iniciación al instrumento. Criterios didácticos para la selección y elaboración del repertorio del nivel inicial.
El repertorio tradicional de dulzaina en las comunidades de Galicia, Asturias y Cantabria. Características en la interpretación de este repertorio y problemas técnicos.
El repertorio tradicional de dulzaina en las comunidades de País Vasco, La Rioja y Navarra. Características en la interpretación de este repertorio y problemas técnicos.
El repertorio tradicional de dulzaina en las comunidades de Aragón, Cataluña, Valencia y Baleares. Características en la interpretación de este repertorio y problemas técnicos.
El repertorio tradicional de dulzaina en las comunidades de Madrid, Castilla y León, Castilla-La Mancha y Extremadura. Características en la interpretación de este repertorio y problemas técnicos.
El repertorio tradicional de dulzaina en las comunidades de Murcia y Andalucía. Características en la interpretación de este repertorio y problemas técnicos.
El repertorio de autor para la dulzaina sola y en otras agrupaciones. Características de la interpretación de este repertorio y problemas técnicos específicos.
La música de conjunto. Antecedentes históricos y evolución hasta nuestros días. Características del repertorio básico y progresivo para estas agrupaciones. Los instrumentos de percusión y sus singularidades en este repertorio.
La práctica de grupo en las enseñanzas elementales. Programación de las actividades colectivas en este nivel: repertorio, conceptos relativos al lenguaje musical, técnica de interpretación en grupo, audición, improvisación y otros aspectos.
La práctica de grupo en las enseñanzas profesionales. Programación de las actividades colectivas en este nivel: repertorio, conceptos relativos al lenguaje musical, técnica de interpretación en grupo, audición, improvisación y otros aspectos.
La dulzaina y la danza. Antecedentes históricos. La dulzaina como instrumento acompañante de la danza. Danzas españolas: clasificación y descripción. El papel del dulzainero en la danza.
La transcripción: Conceptos generales y criterios sobre la interpretación de transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales.
Descripción y estudio comparado de los sistemas metodológicos más importantes de iniciación al instrumento. Criterios didácticos para la selección de repertorio a nivel inicial.
Criterios didácticos para la selección del repertorio en las enseñanzas elementales y profesionales.
La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, inteligencia musical y personalidad artística. El desarrollo del espíritu emprendedor: cualidades, habilidades, actitudes y valores que engloba el espíritu emprendedor.
Métodos de trabajo y desarrollo de la autonomía en el estudio. El desarrollo de la capacidad del alumno para que encuentre soluciones propias de las dificultades del texto musical. Estrategias adecuadas.
Principios de improvisación en el instrumento: recursos, materiales y procedimientos. Aplicación a la realización de cifrados y al acompañamiento de melodías. La improvisación dirigida o libre. Uso de nuevos lenguajes y notaciones en la improvisación.
La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado y métodos. Simplificación o reducción de la partitura. Criterios para la selección del material adecuado a cada nivel.
La memoria. La educación de la memoria como base para la formación del oído interno y su desarrollo progresivo. Memoria sensorial. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman el estudio del instrumento. Técnicas de memorización.
Interdisciplinariedad en los estudios de dulzaina. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo.
La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.
Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la enseñanza y al aprendizaje del instrumento. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

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Detalles: Publicado: 27 Julio 2016

Historia general del fagot: Orígenes y antecedentes del fagot en todas las culturas desde la aparición de los instrumentos de doble lengüeta. Evolución histórica hasta el siglo XVIII. Mecanización del fagot desde el siglo XVIII.
El fagot moderno: Descripción de sus características constructivas. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento. Instrucciones básicas sobre montaje, mantenimiento, conservación y pequeñas reparaciones. Conocimiento del proceso de construcción, selección y manipulación de las lengüetas. La familia del fagot.
Características sonoras del instrumento. Principios físicos de la producción del sonido en los tubos sonoros. Fundamentos teóricos de los sonidos armónicos. Afinación. Formas convencionales y no convencionales de producir sonido.
Técnicas de concienciación corporal: relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico.
Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica del fagot. Colocación del cuerpo y del instrumento en posición sentada y erguida.
La técnica del fagot: principios fundamentales. La columna de aire y su control en la técnica general del fagot. Formación de la embocadura, diferentes tipos de ataque. La articulación. Emisión del sonido: utilización de los músculos faciales, de la lengua, de los labios y de otros elementos.
La técnica moderna del fagot: principios fundamentales. Aportación al desarrollo de la técnica moderna de los grandes instrumentistas y pedagogos.
Evolución de las diferentes escuelas y sistemas pedagógicos específicos del instrumento. Estudio comparativo de las concepciones estéticas, teóricas y técnicas de las diferentes escuelas.
Los diferentes métodos, colecciones de estudios, ejercicios y otros materiales pedagógicos. Valoración de su utilidad para el aprendizaje de los distintos aspectos de la técnica. Bibliografía especializada relacionada con el instrumento y su didáctica.
Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para fagot del Renacimiento y el Barroco: música de cámara y orquesta barroca.
Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para fagot del Clasicismo: obras para fagot solista, música de cámara y orquesta.
Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para fagot del Romanticismo: Obras para fagot solista, música de cámara y orquesta.
Características, referidas a la evolución del estilo y de la escritura instrumental, del repertorio para fagot desde el inicio del siglo XX hasta nuestros días. Aproximación a la música contemporánea y a los nuevos recursos compositivos, formales y de notación.
El fagot en la orquesta y en la banda. Características del repertorio para ambas formaciones. Evolución a lo largo de las diferentes épocas.
La práctica de grupo en las enseñanzas elementales. Programación de las actividades colectivas en este nivel: repertorio, conceptos relativos al lenguaje musical, técnica de interpretación en grupo, audición, improvisación y otros aspectos.
La práctica de grupo en las enseñanzas profesionales. Programación de las actividades colectivas en este nivel: repertorio, conceptos relativos al lenguaje musical, técnica de interpretación en grupo, audición, improvisación y otros aspectos.
La música de cámara en las enseñanzas profesionales. Programación de esta asignatura: repertorio, análisis, técnica de interpretación en grupo, audición, improvisación, lectura a primera vista y otros. Criterios pedagógicos para la elección del repertorio.
Descripción y estudio comparado de los sistemas metodológicos más importantes de iniciación al instrumento. Criterios didácticos para la selección de repertorio a nivel inicial.
Criterios didácticos para la selección del repertorio en las enseñanzas elementales y profesionales.
La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: técnica, capacidad expresiva o comunicativa, inteligencia musical y personalidad artística. El desarrollo del espíritu emprendedor: cualidades, habilidades, actitudes y valores que engloba el espíritu emprendedor.
Métodos de trabajo y desarrollo de la autonomía en el estudio. El desarrollo de la capacidad del alumno para que encuentre soluciones propias a las dificultades del texto musical. Estrategias adecuadas.
Principios de improvisación en el instrumento: Recursos, materiales y procedimientos. La improvisación dirigida o libre. Uso de nuevos lenguajes y notaciones en la improvisación.
La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado, métodos. Criterios para la selección del material adecuado a cada nivel.
La memoria. La educación de la memoria como base para la formación del oído interno y su desarrollo progresivo. Memoria sensorial. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman el estudio del instrumento. Técnicas de memorización.
Interdisciplinariedad en los estudios de fagot. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo.
La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.
Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la enseñanza y al aprendizaje del instrumento. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

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Definición de los instrumentos y su ubicación dentro de la clasificación general de los instrumentos musicales. El instrumento moderno: Descripción y nomenclatura de los elementos que lo componen. Terminología académica, popular e histórica de ambos instrumentos. Notación actual. Aspectos fundamentales en la elección del instrumento. Conservación y mantenimiento de ambos instrumentos.
El binomio «flauta-tambor»: Sus orígenes y su evolución geográfica e histórica. Las «flautas de tres orificios»: Diferentes modelos y su nomenclatura en los países de Europa occidental. Características específicas del flabiol: Concomitancias y diferencias con la «flauta de tres orificios». Posible relación ente el flabiol y el flageolet.
Relación de los más distinguidos intérpretes de flabiol y tamborí (flabiolares) a través de la historia. Sus aportaciones a la evolución del instrumento y su ubicación en sus respectivos contextos musicales, históricos y sociales.
Relación de los más distinguidos fabricantes de flabiols y/o tamborins en épocas pretéritas. La fabricación actual de dichos instrumentos.
El flabiol: Diversos modelos y sus prestaciones en relación a su fabricación y a su cometido. El tamborí: sus variantes, en tamaño y tipo de fabricación, respecto a sus distintas utilizaciones musicales. El flabiol i tamborí: utilización «a solo» y en grupo. Su papel en la moderna cobla de sardanes.
Principios físicos de producción del sonido en los tubos sonoros de embocadura biselada. Características específicas del flabiol. Sonidos fundamentales y sonidos armónicos: su aplicación a los distintos registros o ámbitos sonoros del flabiol.
El diapasón: Diferentes alturas de sonido. Diapasón brillante y diapasón normal: Su consideración histórica y contextual. Diferentes valoraciones de la afinación: Afinación individual y afinación colectiva; afinación melódica y afinación armónica. Consideraciones diversas y orientaciones prácticas.
Técnicas de concienciación corporal: Relajación física y mental, concentración, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, miedo escénico.
Descripción y funcionamiento del aparato respiratorio. La respiración musical: Conceptos y ejercicios. Aspectos anatómicos y fisiomecánicos más importantes en relación con la técnica del flabiol i tamborí. Colocación de los instrumentos y posición del cuerpo en relación a ellos en posición sentada y erguida.
La técnica del flabiol: Principios fundamentales. La columna de aire y su control en la técnica básico del flabiol. Cuestiones relativas a embocadura y emisión del sonido.
La técnica del tamborí: Colocación y sujeción. Manejo de la baqueta: control del golpe, del rebote y del retorno. Tipología del golpe y su notación escrita.
Utilización diatónica del flabiol. El flabiol cromático: Utilización de las llaves. Posiciones reales y posiciones auxiliares: nomenclatura y empleo. Diferentes tipos de ataque y articulación. Doble y triple picado. El vibrato y otros recursos técnicos y expresivos. Simultaneidad e independencia en la interpretación.
Evolución de las diferentes escuelas, tendencias y sistemas interpretativos como fundamento de la escuela moderna de flabiol y tamborí. Estudio comparativo de las distintas concepciones teóricas y técnicas.
Los primeros métodos de flabiol. Diferentes colecciones manuscritas de ejercicios y estudios para flabiol. Valoración de su utilidad para el conocimiento de las antiguas tendencias y el aprendizaje de las distintas técnicas.
La metodología moderna para flabiol i tamborí: Obras editadas actualmente para tal fin. Adaptación para flabiol de obras didácticas escritas originalmente para otros instrumentos afines (flauta de pico, txistu y otros).
El repertorio tradicional del flabiol i tamborí «a solo»: Diversas recopilaciones de canciones y danzas. Características de su interpretación en el ámbito de la tradición oral y su valoración histórica y actual.
El repertorio del flabiol i tamborí en las formaciones tradicionales y arcaicas: la cobla de flabiolaires, la mitja cobla y la cobla de tres quartants. Importancia de dichas formaciones en el contexto popular, social e histórico.
El repertorio del flabiol i tamborí en la actual cobla de sardanes: Sardanas para flabiol solista, principales intervenciones solísticas en sardanas, ballets tradicionales y obra de concierto para cobla. Evolución de dicho repertorio desde la creación de la cobla, a fines del siglo XIX, hasta nuestros días.
El repertorio de música de concierto para flabiol i tamborí: obras para flabiol y piano, obras de cámara para formaciones diversas. Presencia del flabiol en el ámbito sinfónico.
La transcripción: Conceptos generales, antecedentes históricos y criterios sobre la interpretación de las transcripciones. Transcripciones del repertorio de otros instrumentos y de diferentes agrupaciones instrumentales.
Descripción y estudio comparado de los sistemas metodológicos más importantes de iniciación al instrumento. Criterios didácticos para la selección de repertorio a nivel inicial.
Métodos de trabajo y desarrollo de la autonomía en el estudio. El desarrollo de la capacidad del alumno para que encuentre soluciones propias de las dificultades del texto musical. Estrategias adecuadas.
Criterios didácticos para la selección del repertorio en las enseñanzas elementales y profesionales.
La práctica de grupo en las enseñanzas elementales. Programación de las actividades colectivas en este nivel: repertorio, conceptos relativos al lenguaje musical, técnica de interpretación en grupo, lectura a primera vista, audición, improvisación y otros aspectos.
La práctica de grupo en las enseñanzas profesionales. Programación de las actividades colectivas en este nivel: repertorio, conceptos relativos al lenguaje musical, técnica de interpretación en grupo, lectura a primera vista, audición, improvisación y otros aspectos.
La lectura a primera vista. Técnicas, estrategias, análisis aplicado, métodos. Simplificación o reducción de la partitura. Criterios para la selección del material adecuado a cada nivel.
La memoria. La educación de la memoria como base para la formación del oído interno y su desarrollo progresivo. Memoria sensorial. Tipos de memoria. Factores en el uso de la memoria. La memoria como elemento imprescindible en los diferentes aspectos que conforman el estudio del instrumento. Técnicas de memorización.
Principios de improvisación en el instrumento: recursos, materiales y procedimientos. Aplicación a la realización de cifrados y al acompañamiento de melodías. La improvisación dirigida o libre. Uso de nuevos lenguajes y notaciones en la improvisación.
La creatividad y su desarrollo. La creatividad aplicada a todos los aspectos del desarrollo instrumental: Técnica, capacidad expresiva o comunicativa, inteligencia musical y personalidad artística. El desarrollo del espíritu emprendedor: cualidades, habilidades, actitudes y valores que engloba el espíritu emprendedor.
Interdisciplinariedad en los estudios de flabiol i tamborí. La relación que conforman entre sí las diferentes asignaturas del currículo.
La música como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la música con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.
Las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la enseñanza y al aprendizaje del instrumento. Importancia de la utilización del software musical y de la selección de los recursos de Internet.

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Detalles: Publicado: 27 Julio 2016

Visión antropológica de la danza. La danza en el mundo clásico. La danza en la Edad Media.
La danza en el Renacimiento. Los primeros maestros. Génesis del Ballet de cour. Tratados de danza.
La danza barroca. La escritura de la danza. El paso definitivo hacia el profesionalismo: la codificación de los principios fundamentales de la danza clásica. La danza en el Siglo de Oro español.
El término «flamenco». Origen y desarrollo histórico. Los bailes populares como antecedentes cercanos. Arraigo y tradición del flamenco.
La música litúrgica. Períodos de la historia del flamenco. Los cafés cantantes. Profesionalización del baile flamenco. Principales intérpretes. Evolución técnica y estética del baile flamenco.
Etapas del flamenco. La ópera flamenca. El ballet y el cuadro flamenco. Principales intérpretes. La coreografía en los primeros ballets flamencos. Análisis y desarrollo.
La influencia de la escuela bolera en el baile flamenco. Las academias de baile y los salones. Bailes del candil. Estructura del baile según épocas. Indumentaria del baile flamenco. Recorrido histórico.
Historia de la guitarra flamenca. Principales maestros de la guitarra. La incorporación de la guitarra flamenca. Implicación de la guitarra en el baile. Diferentes técnicas guitarrísticas en el acompañamiento al baile.
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La danza en España como patrimonio histórico-artístico cultural. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y futuras generaciones. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes.
Fundamentos básicos de la educación corporal. Colocación general del cuerpo: sensaciones y resistencias. Evolución en las diferentes etapas del aprendizaje. Posibles consecuencias patológicas, técnicas y artísticas derivadas de una colocación errónea.
La función muscular: Escalas o grados tónicos. Antagonismo muscular: su importancia en la educación del movimiento, en la expresividad, la salud y calidad de vida. Consideraciones a tener presentes en la clase de danza.
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Estudio y evolución de los montajes coreográficos más relevantes del baile flamenco. Criterios para una correcta secuenciación didáctica del montaje coreográfico y su aplicación práctica. Programación de actividades interactivas de los alumnos con el cante y la guitarra.
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La seguiriya. Características y desarrollo técnico, rítmico y artístico. Estructura, carácter y estilos del cante por seguiriya. Elementos en el remate hacia la cabal. Tientos. Características y desarrollo técnico, rítmico y artístico. Estilos de tangos y diferenciación. Diferencia de matiz entre el tanguillo y los tangos.
La cantiña. Características y desarrollo técnico, rítmico y artístico. Estudio del cante y definición de los estilos que derivan de ella. Cuadratura de la romera como trabajo docente. La bulería como trabajo de improvisación.
El flamenco en las enseñanzas elementales: objetivos, contenidos, criterios de evaluación, calificación y metodología.
El flamenco en primero y segundo curso de las enseñanzas profesionales: Objetivos, contenidos, criterios de evaluación, calificación y metodología.
El flamenco en tercero y cuarto curso de las enseñanzas profesionales: Objetivos, contenidos, criterios de evaluación, calificación y metodología.
El flamenco en quinto y sexto curso de las enseñanzas profesionales: Objetivos, contenidos, criterios de evaluación, calificación y metodología. Acercamiento del alumno a su futuro profesional.
El repertorio. Metodología de su enseñanza. Responsabilidades y funciones del profesor de repertorio. Criterios para su selección en las diferentes etapas de su aprendizaje.
Aspectos fundamentales del repertorio flamenco: Histórico-estéticos, técnicos, artísticos, estilísticos, musicales y espaciales. Relación del repertorio con la historia del arte y de la danza. El repertorio como herramienta de creación y transmisión del patrimonio.
Psicología evolutiva. Teoría del desarrollo cognitivo de Piaget. Desarrollo físico, cognitivo y socio-emocional en las diferentes etapas del ciclo vital.
Procesos psicológicos básicos aplicados al contexto de enseñanza- aprendizaje en el aula de danza. Aprendizaje. Motivación y emoción. Percepción. Atención y memoria.
El aprendizaje en el aula de danza. Gestión de las expectativas. Clima del aula y el aprendizaje. Análisis de la interacción en el aula: Profesor-alumno, alumno- alumno.
El desarrollo del potencial artístico. Desarrollo de las capacidades creativas y expresivas, a través del movimiento. La conciencia del cuerpo, espacio y tiempo. La improvisación y el movimiento espontáneo como procedimiento de la educación corporal y capacitación para la danza. El desarrollo del espíritu emprendedor.
Interdisciplinariedad en los estudios de danza. Interrelación entre las distintas disciplinas teórico-prácticas que conforman el currículo.
La danza como patrimonio histórico-artístico cultural. La relación de la danza con las corrientes estéticas y con las demás artes. Responsabilidad del docente en su valoración, preservación y transmisión a las actuales y a las futuras generaciones.
El uso de las tecnologías de la información y de la comunicación aplicadas a la enseñanza y al aprendizaje de la danza. Recursos en Internet, vídeo, cine y otros. La notación coreográfica y los diferentes sistemas: Labanotación, Benesh, Eshkol-Wachman y otros.

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